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Exposición CADA CABEZA DE LA HIDRA: LA GRÁFICA COLOMBIANA ANTE EL “FRENTE NACIONAL” EN LA COLECCIÓN DEL PROYECTO BACHUÉ

 


ü  La muestra estará disponible del jueves 7 de octubre al viernes 31 de diciembre, alberga más de 100 obras gráficas de artistas como Luis Ángel Rengifo, Alonso Quijano, Augusto Rendón, Nirma Zárate, Clemencia Lucena, Diego Arango, Taller 4 Rojo, entre otros.

 

ü  El ingreso es previa inscripción en mgicpna.pe/nosotros/registra-tu-visita 

 

Como parte de su misión en la difusión de la cultura, el Museo del Grabado ICPNA, presenta la exposición CADA CABEZA DE LA HIDRA: LA GRÁFICA COLOMBIANA ANTE EL “FRENTE NACIONAL” EN LA COLECCIÓN DEL PROYECTO BACHUÉ, donde se exhiben más de 100 obras gráficas de artistas como Luis Ángel Rengifo, Alonso Quijano, Augusto Rendón, Nirma Zárate, Clemencia Lucena, Diego Arango, Taller 4 Rojo, Beatriz González, Alejandro Obregón, Leonel Castañeda Galeano, Bernardo Salcedo, Enrique Hernández, Luis Paz, Carlos Correa, Alipio Jaramillo, Sonia Gutierréz, entre otros.

 

La muestra, que llega gracias al Proyecto Bachué, plataforma de gestión enfocada en las artes visuales colombianas, y bajo la curaduría de Sylvia Juliana Suárez Segura, estará disponible del jueves 7 de octubre al 31 de diciembre en el Museo del Grabado ubicado en el ICPNA La Molina. El horario de visitas es de martes a sábado de 10 a. m. a 6 p. m., previa inscripción en el enlace mgicpna.pe/nosotros/registra-tu-visita.

 

Esta exposición se abre con el conjunto completo de 13 Grabados Sobre la Violencia que Luis Ángel Rengifo realizó en diciembre de 1963, un conjunto de imágenes poéticas y descarnadas de la violencia colombiana que se extendió en todo el país desde el magnicidio de Jorge Eliécer Gaitán en 1948, un fenómeno que pudrió las raíces de la nación colombiana.

 

Rengifo representa La Violencia como un “monstruo” que se engulle a los integrantes más inocentes del pueblo, en su intento por dar cuenta del fenómeno que se manifestó no solo con la eliminación directa sino con la eliminación simbólica del otro, utilizando el cuerpo del otro como si fuera un campo semántico sobre el cual escribir con el filo de un arma blanca. En los grabados de Luis Ángel se observan los rostros horrorizados de las víctimas, su mirada congelada y sus bocas abiertas en el grito que los ojos buscan de forma incesante e infructuosa en las fotografías.

 

Para el tránsito de los años sesenta a los setenta, la representación alegórica a la violencia fue cediendo paso a su exploración desde una perspectiva contra-informativa y muy polemizante, si en 1963 Rengifo representaba la violencia como un monstruo policéfalo comiendo a un pueblo inocente, en las obras de artistas como Quijano, Rendón y Alcántara, Lucena y el Taller 4 Rojo, entre otros, se puso sobre la mesa de disección Cada Cabeza de la Hidra, proponiendo explicaciones de dicho fenómeno, señalando actores concretos, denunciando sus vínculos.

 

Las hipótesis que sus obras proponían o ponían en circulación contravenían los acuerdos tácitos de los medios de comunicación que trabajaban de forma denodada en la consolidación de la hegemonía de los grupos tradicionales de poder en Colombia, y de forma simultánea operaban una revolución de la mirada sobre la representación de la figura humana, del poder, de la nación y del territorio.

 

En Colombia, el foco puesto sobre las posibilidades del compromiso artístico con la lucha por la ampliación de los derechos culturales y políticos de un país bajo una democracia restringida y sumido en el conflicto armado, hizo de este propio conflicto uno de los temas nucleares de la experimentación poética y política de aquellos años; sin embargo, la experimentación gráfica facilitó la apertura de la mirada hacia otras facetas de la realidad nacional y hacia otros terrenos de la cultura visual.

 

“Desde los años sesenta hasta los ochenta, el grabado fue una matriz experimental generosa desde la que se impulsaron las facetas más críticas de la cultura nacional. Es posible observar en esta exposición que la gráfica permitió la diseminación de interpretaciones del acontecer nacional inquisitivas y reveladoras, a la vez que propuso espacios sociales divergentes para las prácticas artísticas. Así, redefinió el lugar tanto de los artistas como de la producción y circulación de sus obras, extendiendo las zonas y las formas de contacto del arte y la sociedad”, dijo la curadora de la muestra Sylvia Juliana Suárez Segura.

 

Cabe mencionar que la mirada sobre el género, la sexualidad y el erotismo también fueron un espacio intenso de experimentación política en pleno auge de la gráfica, es así que en esta exposición se encuentran algunos ejemplos del quiebre operado sobre la superficie nívea de los cuerpos femeninos, su lugar y sus formas de representación en el arte, como ocurre en las obras de María Teresa Cano, Delfina Bernal y Maripaz Jaramillo; de la apertura del homoerotismo y de la no binariedad a través de la figura del andrógino y de una rendija de luz en los bluyines, en las obras de Óscar Jaramillo y Miguel Ángel Rojas, y de la entrada indiscreta y profanadora de estos artistas a los jardines de la moralidad y la decencia, tan bien custodiados en Colombia, en los libros de Augusto Rendón, Leonel Góngora y en la obra de Juan Antonio Roda.    

 

 

Casa Rubens presenta exposición colectiva “20 20, Reflejos de una época”





¿Qué hace un artista en épocas de introspección? Simplemente, seguir produciendo. A partir de esta reflexión 14 artistas se autorretratan frente al confinamiento en tiempos de pandemia. El punto de partida, mediados del año 2020, en tiempos donde nadie se imaginaría los cambios que vendrían a causa del Covid-19.

 

El resultado de la creación son obras en formatos bidimensionales, en su mayoría pinturas, dibujos, tallados y una instalación. La temática tratada pone a pie la facultad del artista en poder crear no solo una buena factura en simples retratos, a cambio y como excusa se sigue toda una narrativa, en la que la ironía, la insinuación, el sosiego, la esperanza o el miedo corresponden a lo acontecido.

 

En “20 20, Reflejos de una época” participan John Chauca Laurente, Hugo Salazar Chuquimango, Kledy Dongo, Zoraya Cánepa, Millard Llanque, Luis Bardales, Fredy Carreño, Judith Vergara, Alejandra Rojas, Ado Martín, Elizabeth López, José Crespo, Lautaro Arrau y JUDA, Ben Hur.

 

“Somos seres sociables por naturaleza, por más que en estos tiempos de pandemia las redes sociales se hayan convertido en un refugio. Hemos decidido apelar, de manera crítica, a esa realidad para elaborar un documento que vincule creativamente ambas dimensiones, exterior e interior pues quiérase o no, somos el reflejo de una época” sostiene Hugo Salazar Chuquimango, curador y artista que participa en esta exposición colectiva.

 

La muestra inicia el martes 1 de septiembre en el nuevo espacio cultural en Pueblo Libre: Casa Rubens ubicado en calle Benigno Cornejo 447, ex Mariano Necochea, a cuatro cuadras de la municipalidad distrital. La misma que puede ser visitada hasta el 1 de octubre, con todos los protocolos de seguridad, de martes a domingo de 10:00 a.m. a 7:00 p.m. previa coordinación escribiendo en el Facebook o Instagram casarubenspe. El ingreso es libre.

 

Casa Rubens


Espacio cultural fundado en plena pandemia a finales de 2020, como casa taller de los artistas plásticos Ado Martín (Premio a la crítica de pintura, de la promoción 2014 de la ENSABAP), Hugo Salazar Chuquimango (ganador del XII Salón Nacional de Pintura ICPNA 2012) y el escritor José Miguel Vásquez (Ganador de la Primera Convocatoria Pesopluma 2019).

 

Un espacio pensado como laboratorio artístico, pero sobre todo concebido como una comunidad autogestionaria de creadores, que desean compartir sus procesos, sus emprendimientos y promover a artistas emergentes y acoger propuestas curatoriales. Posee murales, realizados por los propios artistas que la habitan, además de la galería propiamente dicha y una zona para dictar talleres y clases particulares de arte y escritura.

Foreplay presenta “Suculenta experiencia”, exposición colectiva interdisciplinaria

 


Desde este 12 de julio, Foreplay, la reconocida tienda de salud sexual, presenta una exposición de arte en la galería ubicada en su local de San Isidro, SUCULENTA EXPERIENCIA.

Esta muestra busca explorar el amor propio desde la perspectiva de artistas peruanos de distintas disciplinas, dándole acceso a sus mundos, y la relación de ellos mismos con su cuerpo, su mente y sus emociones. SUCULENTA EXPERIENCIA se ha creado como un espacio que, a través de la pintura, fotografía, cerámica, entre otras disciplinas, invita a la introspección con el objetivo de recordarnos que el camino al amor propio es a través de la autoexploración y el autoconocimiento.

“Nosotrxs amamos el arte. Fomentarlo siempre ha sido una misión para Foreplay”, comenta Silvanna, CEO de Foreplay. “Para nosotros es fundamental apoyar a artistas sobre todo en esta época de pandemia. Es por eso que estamos a puertas de la inauguración de SUCULENTA EXPERIENCIA, 10 artistas peruanos que darán su propia visión de la autoexploración a través de pinturas y figuras de cerámica”, agrega.

“El proceso de conocernos se ve diferente para cada unx de nosotrxs, pero en esencia somos el jardín en el que florece todo lo que sembramos a lo largo de nuestra vida”, comenta Andrea S. Quiñones, curadora de la muestra. “Depende de nosotrxs sembrar las semillas de las flores que queramos, regarlas cada vez que sea necesario, darles luz y retirar la mala hierba. En pocas palabras, es un proceso constante y puede que no sea lineal pero siempre nos dará frutos”, continúa.

El concepto de la muestra que reúne a artistas como Jon Albar, Fiorella Artadi, Pamela Castañeda, Romina De Luise, Jose Luis Guiulfo, Allen Lad, Johanna Morales, Alejandra Rázuri, Pedro Pablo Mantegazza y Maira Rodriguez; permite que los visitantes exploren este jardín mágico y se envuelvan en una suculenta experiencia dinámica con elementos como hojas, flores colgantes, luces de colores, estaciones interactivas y mensajes positivos, que encontrarán en distintos puntos del recorrido. Además, los visitantes también podrán adquirir las obras y apoyar a los artistas locales. 

La inauguración será el día lunes 12 de julio a las 5:30 p. m. en Av. Conquistadores 946, San Isidro; y la muestra podrá visitarse de lunes a domingo de 10 a. m. a 8 p. m.

Para mayor información puedes visitar las redes sociales de Foreplayhttps://www.instagram.com/foreplay.pe/

PROYECTO DEL GPAP "WARMI" VIDEO 2021



El GRUPO PERUANO DE ARTISTAS PLÀSTICOS “GPAP” y la prestigiosa Institución Cultural “Galería de Arte Sèrvulo Gutiérrez” tiene el privilegio de presentar esta magna Exposición virtual en homenaje al Día de la Mujer denominada "WARMI" representado por sus valiosos Artistas Plásticos y Visuales y dentro de las actividades de nuestro Bicentenario en el mes de marzo queremos dar un profundo agradecimiento al ser humano que lleva en su corazón, en su alma, en sus vidas en sus familias y una nación, aquella mujer trabajadora que día a día lucha por sus sueños y metas –proyecto WARMI se llena de luz, alegría y esperanza con todas las mujeres que son un ejemplo a seguir.


Exposición internacional GRÁFICA AMÉRICA, organizada por el Museo de Arte Latinoamericano (MOLAA)

 



  La exhibición estará abierta al público desde el 18 de marzo hasta el 22 de mayo. Los visitantes podrán ingresar previa inscripción en cultural.icpna.edu.pe/visita-espacios-exposicion

 

Como parte de su misión en la difusión de la cultura, el Museo del Grabado ICPNA reabre sus puertas con la exposición internacional GRÁFICA AMÉRICA. Portafolio, organizada por el Museo de Arte Latinoamericano (MOLAA). La muestra estará disponible del 18 de marzo al 22 de mayo en el Museo ubicado en el ICPNA La Molina. El horario de visitas es de martes a sábado de 10 a. m. a 6 p. m., previa inscripción en el enlace cultural.icpna.edu.pe/visita-espacios-exposicion

GRÁFICA AMÉRICA. Portafolio documenta el legado del grabado en Las Américas presentando obras de más de 30 artistas que representan a talleres, editoriales y colectivos en Estados Unidos, México, Centroamérica, Sudamérica y el Caribe. La exposición celebra el espíritu colaborativo latinoamericano a favor del arte a través de grabados y publicaciones históricas, así como obras contemporáneas tradicionales y experimentales realizadas en talleres colectivos establecidos por grabadores latinoamericanos y latinos.

Cabe resaltar que, esta exhibición cuenta con la curaduría de Gabriela Martínez, curadora de Educación en MOLAA, y Rogelio Gutiérrez, profesor asociado de Grabado en la Escuela de Arte de la Universidad del Estado de Arizona.

Además, se contará con un ciclo de conversatorios virtuales que se realizará cada miércoles a cargo de los artistas participantes. El primero ‘Diálogos en torno a Gráfica América’ será el miércoles 17 de marzo a través de las redes sociales del Museo del Grabado ICPNA instagram.com/mgicpna/  facebook.com/mgicpna


Sobre el MOLAA

El MOLAA (Long Beach, California) fue fundado en 1996 por Robert Gumbiner. Este espacio cultural está dedicado exclusivamente al arte contemporáneo latinoamericano a través de su colección permanente, muestras temporales y programas educativos. El museo se centra en artistas que han vivido o trabajado en Latinoamérica desde la Segunda Guerra Mundial.

 

Artistas peruanos

Es importante señalar que las obras de esta muestra forman parte de la colección de los artistas peruanos Rocío Rendón y Toño Núñez como producto de su participación en Gráfica América con la obra Meráya.

 

Toño Núñez (Perú). Grabador residente en INKSpira en Lima, Perú. Sus impresiones experimentales e instalaciones de técnica mixta involucran imágenes populares urbanas a través de serigrafías dibujadas a mano, un proceso que él considera desafiante para la mecanización del trabajo y la fabricación. Creado en colaboración con Rocío Rendón, Meráya, pieza con la que participa en esta exposición, es una representación psicodélica de una entidad mítica peruana con la capacidad de sanar, transformarse en cualquier animal y atravesar barreras entre el Cosmos. Núñez ha tenido exposiciones en Perú, Argentina, Brasil, Rumania y Estados Unidos.

 

Rocío Rendón (Perú). Artista conceptual y directora de INKSpira, centro de arte dedicado a preparar a los estudiantes para la admisión a las escuelas de arte del Perú a través de talleres de arte y diseño. Su trabajo utiliza símbolos cargados de política y cultura que discuten la identidad colectiva, los rituales mundanos y religiosos, los sistemas de creencias y las estructuras de poder. Meráya fue creada en colaboración con Toño Núñez y representa a un ser mítico peruano asociado con los curanderos amazónicos Onaya. La obra de Rendón se ha exhibido en Perú, Estados Unidos, Canadá, Brasil, Argentina y España.

 

Artistas latinoamericanos

Norma Morales (Venezuela). Es maestra impresora de Grabado y coordinadora artística del Taller de Artistas Gráficos Asociados, asociación sin fines de lucro en Caracas, Venezuela. También es miembro fundadora de los colectivos Fundación Surcos Colectivo Gráfico Venezolano y Grupo TerraGráfica. Su trabajo enfoca a la figura humana en una investigación del movimiento dentro de espacios reales e imaginarios. Paisaje agreste para levitante utiliza colografía y aguatinta para representar una figura flotando en un entorno ambivalente, contemplando lo que podrían ser pensamientos o un paisaje fantástico. Su trabajo ha sido expuesto en Venezuela, Argentina, España, Finlandia, Brasil, Colombia y Estados Unidos.

 

Carlos Barberena (Nicaragua/Estados Unidos). Grabador nicaragüense-estadounidense, fundador de Bandolero Press y La Calaca Press, y cofundador y miembro del Instituto Gráfico de Chicago, colectivo de impresión en Chicago. Es un artista autodidacta que crea grabados en relieve que examinan los efectos de eventos políticos históricos y contemporáneos en las Américas, con sus portafolios recientes exponiendo la violencia que padecen los ciudadanos de Nicaragua. Mater Dolorosa representa a Liseth Dávila sosteniendo una imagen de su hijo de quince años, Alvaro Conrado cuando se le negó la atención médica, se desangró por sus heridas. Esta pieza fue creada en solidaridad con AMA (Asociación de Madres de Abril), un grupo de mujeres que demanda justicia para los estudiantes mártires asesinados por la policía y grupos paramilitares durante las recientes protestas políticas contra el represivo régimen Ortega-Murillo. El trabajo de Barberena se ha exhibido en los Estados Unidos, Centroamérica, Estonia, Francia y España.

 

Sandra C. Fernández (Estados Unidos/Ecuador). Grabadora y artista de libros y directora de sFernandez Press and Taller en Nueva Jersey. Nació en Queens, Nueva York y creció en Quito, Ecuador. La artista explora temas de migración y dislocación, estructuras de poder, libertad política y trauma. Separated Minor #2,739 (Detenido), aborda directamente las prácticas crueles hacia los migrantes intensificadas por la campaña de Trump. En un esfuerzo por desalentar la inmigración de los países latinoamericanos, los niños son separados de sus padres y las personas a menudo son detenidas ilegalmente. Fernández ha participado en exposiciones en Estados Unidos y Latinoamérica, así como en Italia, Canadá, España, Palestina, China y Japón.

 

Poli Marichal (Puerto Rico). Artista grabadora puertorriqueña, miembro fundadora del Colectivo de Grabado Los de Abajo con sede en Los Ángeles, miembro del Centro de Grabado y Artes del Libro en Puerto Rico, y fundadora de Poli Marichal Studio. Sus estampados expresivos incorporan formas y símbolos orgánicos para abordar temas que sintetizan sus ideas e intereses como preocupaciones sociopolíticas. Sobrevivientes fue creado con PVC, un material que se usa comúnmente para construir viviendas resistentes a huracanes. Marichal regresó a la isla después de María, la tormenta de 2017, donde ha establecido un taller y ahora aborda temas como la supervivencia y la reconstrucción. La artista ha expuesto sus obras en todo Estados Unidos y en Puerto Rico, así como en Italia, Japón, Rumania, México, Nicaragua, Israel, Cuba y España.

 

Pepe Coronado (República Dominicana/Estados Unidos). Miembro fundador del colectivo dominicano York Proyecto GRAFICA y fundador de Coronado Print Studio en Nueva York. Su trabajo se inspira en la relación histórica entre su país de origen, la República Dominicana y los Estados Unidos; y el continuo conflicto de la isla debido a su división en dos países separados desde la época colonial. Nacido el año de la invasión estadounidense a la República Dominicana, el trabajo de Coronado a menudo presenta elementos de fractura e intervenciones del plano pictórico. En el centro de serigrafía Broken Country II, el artista continúa con su exploración de las fronteras, utilizando un mapa fragmentado que se ha vuelto a armar caóticamente. Coronado ha sido maestro impresor en varios talleres de Estados Unidos y su trabajo ha sido exhibido en Estados Unidos, República Dominicana, Puerto Rico, Portugal y México.

También exponen: Antonio Alcaraz Mira · Alan Altamirano · Andres Arizaga Cordero · Jesus Barraza · Yamilys Brito Jorge · Isabel Cauas · Melanie Cervantes · Liz Cohen · Jorge Crespo Berdicio · Miriam Del Saz · Fernando De Leon · Ana Maria Devis · Gabriela Gonzalez Leal · Octavio Irving Hernandez Jimenez · Jacob Meders · Lorena Pradal · Jonathan Rebolloso · Coral Revueltas Valle · Julio Cesar Rodriguez Jaimes · Humberto Saenz · Herson Sapone · Dewey Tafoya · Humberto Valdez · Sergio Valencia Salazar · Alejandro Villalbazo

 

 

 

Exposición colectiva: FOLIO – B ” Nacional de Arte Collage Perú

 


Después de haber presentado dos exposiciones virtuales en formato 3D, Septiembre y Diciembre del 2020. En esta ocasión el grupo Colorbox Geometries and Abstractions, su Director Daniel Rodríguez y sus integrantes, aperturan la segunda parte  del Collage Nacional “FOLIO – B ” Nacional de Arte Collage Perú. La exposición colectiva se inaugura el 24 de enero, en la Galería virtual 3D, Museo José Carlos Mariátegui, hora: 16:00 p.m.

Artistas:

Anneli Vertiz, Adriana Cillóniz (Colorbox), Allen Ladd (Colorbox), Brenda Garay (Colorbox), Cristina Espejo, Carolina Cruz, Daniel Rodríguez (Colorbox), Dora Urdanegui (Colorbox), Enrique Cortes, Isa Luna, Ivo Urrunaga,  Jojos Chan, Jacqueline Rivas, Patricia Benavides, Sandra Valencia,  Verónica Penagos (Colorbox), Víctor Navarro.

Artista invitado: Herbert Rodríguez.

La curaduría está a cargo de la artista del collage y fotógrafa Brenda Garay (Colorbox).

Fragmento del texto curatorial, Brenda Garay.

¿Se habla realmente de collage en el Perú?

No. El collage aún es considerado un arte menor dentro de nuestro contexto cultural y sigue sin tener la misma relevancia que otras artes.

 

A pesar de esta situación, varios artistas nacionales dejaron huella como César Moro ¨El poeta plástico¨, considerado referente limeño por ser el único latinoamericano que formó parte del movimiento surrealista en los años 20 y cuyas piezas de collage llevan el mismo título que sus poemas, además de su apuesta por lo experimental articulando así el lenguaje textual con el pictórico dentro de un mismo universo.

Otro artista que continuó la difusión de una poesía visual fue Jorge Eduardo Eielson, quién a través de un ensamblaje de carácter social, contradice el discurso político dominante en los años 60 y nos conduce a la reflexión. Dos décadas después, Herbert Rodríguez, activista hasta la actualidad, nos presenta una realidad fragmentada de la que todos somos parte y propone una reestructuración de la misma mediante un acto creativo, produciendo así, piezas con gran carga simbólica…

Menciones:

Cabe mencionar que la exposición virtual cuenta con el apoyo del Museo  José Carlos Mariátegui, Director Ernesto Romero y del Municipio  Distrital de Lince, Sr. Alcalde Vicente Amable.

El levantamiento de la galería virtual 3D, Museo José Carlos Mariátegui y montaje a cargo de la Artista plástica y Arquitecta Verónica Penagos (Colorbox). El desplazamiento y paseo virtual a cargo del destacado Arquitecto Paulo Shimabukuro.

 

Exposición: FOLIO B - Nacional Arte Collage Perú.

Página web: www.colorboxperu

 



 

 

 

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